Al museo dell'Ara Pacis di Roma

I volti del Fayum

Qual è rapporto tra l'arte egizia del Fayum e quella romana? Una mostra insegue le similitudini e soprattutto le differenze tra due estetiche mosse da ragioni sociali molto diverse

Fayum, il potere del ritratto. È la promessa garantita dal titolo a lettere cubitali che basterebbe già a fare evento. Un’occasione davvero rara poter vedere o rivedere qui a Roma, nelle sale basse dell’Ara Pacis destinate alle esposizioni temporanee, 50 di quelle opere, incoronate tra le punte più alte raggiunte dalla pittura antica e tra le poche sopravvissute fino a noi alla distruzione implacabile del tempo. Non più di 800 esemplari, risparmiati dal clima secco e sabbioso del deserto e riemersi due secoli fa dai cimiteri di El Fayum, un’oasi non distante dal Cairo dove sono avvenuti i primi ritrovamenti, luogo che ora per convenzione riassorbe come un marchio di fabbrica analoghi tesori rinvenuti in vari siti sepolcrali lungo il corso del Nilo.

L’occasione è resa imperdibile dal prezioso corredo di prestiti in arrivo dall’Egitto integrato da altri concessi da musei d’Europa e Oltreoceano, dove quei capolavori si sono dispersi. Un nucleo sul quale i due curatori, Claudio Parisi Presicce e Laura Petacco, hanno costruito questa mostra. Dilatandone però il copione oltre i confini del Fayum in cinque diversi capitoli, che estendono il raffronto dei reperti egiziani con le testimonianze coeve della scultura e delle pratiche funebri di Roma, capitale dell’Impero che con Augusto aveva incluso sotto il suo diretto controllo, lungo tutte le sponde del Mediterraneo, anche il regno dei Faraoni e la dinastia ellenizzante dei Tolomei fondata da Alessandro Magno.

Una sovrabbondanza di citazioni e rimandi, giustificata dalla forte impronta realistica e dal culto della memoria che impregnano sia la produzione artistica dei marmi romani che le testimonianze pittoriche del Fayum. Ma condizionata dall’intenzione, espressa nel sottotitolo della mostra “tra Roma e l’Egitto”, di offrire al visitatore un sintetico viaggio tra culture e usanze delle civiltà antiche dei due paesi. Una trasferta che come tutti i viaggi organizzati si trascina appresso l’insidia da offerta turistica di restare in superficie per non disorientare troppo il pubblico di casa.

Ne nasce una messinscena piacevole ma dispersiva che rischia di annacquare le profonde differenze che separano il mondo romano e la sua colonia egiziana. E alla fine di intorbidare la rivisitazione dei cimeli di El Fayum, partoriti da altre radici culturali, da altre cifre linguistiche. Da altre visioni religiose. Altre pratiche funebri. Come la mummificazione, prassi comune in Egitto che però non ha mai attecchito a Roma, dove nel trattamento dei corpi delle persone defunte si è fatto ricorso solo alla inumazione e poi sempre più spesso con l’avvento dell’impero alla cremazione. Una distanza che in mostra si è correttamente cercato di colmare con un corredo di cimeli che ci consentono di seguire tutti i passaggi dei riti d’imbalsamazione. Imperdibile il siparietto riservato alle spoglie di una bambina morta a cavallo tra il primo e il secondo secolo d.C., una testa annerita di mummia, che sbuca tra le bende, messo a confronto con il sarcofago dipinto su entrambe le facce di un’altra adolescente, morta nello stesso periodo, di cui resta anche il nome, Giupra. Ma ancor più prezioso un sudario del secondo secolo d.C., dove un anonimo pittore riassume con grande delicatezza un giovane in tunica bianca, con a sinistra il sarcofago che conterrà la sua mummia e a destra e a destra le braccia protese e la faccia da lupo di Anubi, nume dei cimiteri egizi, che ne accoglie la rinascita a una nuova vita. Un cerimoniale che resta inspiegato – nei pannelli didascalici e persino in catalogo – anche se ci offre una chiave per rileggere e restituire al loro contesto le testimonianze artistiche di quel ciclo di ritratti riemersi dal deserto.

I volti del Fayum sono maschere sovrapposte a corpi svuotati di viscere e liquidi, cosparsi di unguenti e sostanze che ne rallentavano la decomposizione, e infine imprigionati in un guscio di bendature tra cui si incuneava una lastra più rigida, di legno, di stucco, di tessuto essiccato, sul quale si dipingeva come appartenesse a una persona ancora viva e senza alcun segno di infezione o di malattia, la faccia.

Una cancellazione della morte che non appartiene alle maschere con cui nella capitale dell’Impero molti sentivano il bisogno di fissare con un calco di gesso apposto sul viso della salma le sembianze di un parente, per conservarlo come una reliquia, o ricavarne statue di marmo o di pietra da esporre in casa tra le icone dei propri lari, esibire in qualche luogo pubblico o in un tabernacolo da cimitero con su incise le tappe di riguardo della sua biografia. Una memoria a tre dimensioni da consegnare come un monumento all’esterno, perché ne coltivasse e ne proseguisse l’esempio. Il capitolo che li espone mette davvero i brividi. Per quel contatto ravvicinato con la morte, che le censure dell’Occidente di oggi, relegano nell’immaginario dell’horror.

I volti del Fayum, al contrario, non devono e non nascono per dare spettacolo. I coperchi dei sarcofagi si sarebbero chiusi, le porte delle tombe sigillate, negandoli per sempre alla vista. Il ciclo della mummificazione terminava così. Nel mistero di una rinascita affidata a quel punto alla vitalità simbolica di quel corpo effigiato che proprio grazie al messaggio segreto di quel ritratto realistico si riappropriava del senso di se stesso e del suo destino, protetti dal favore di un proprio dio. Ma qui bisogna far ricorso a nozioni che il filtro romanocentrico di questa mostra inspiegabilmente trascura. Dimenticando di sfogliare quella sorta di vangelo del Regno dei Faraoni che è il Libro dei morti. Si capirebbe cosi il ruolo di collante tra cielo e terra che caratterizza il rito dell’imbalsamazione come fosse una sospensione in attesa di una rinascita dei corpi che per questo sono mummificati, conservando in attesa di una rinascita il mistero di una doppia natura fisica e spirituale, scandita da un coagulo di energie innate che orienta l’esistenza conscia e inconscia di ogni individuo.

Dal Ka, una sorta di impronta genetica da trasmettere ai posteri attraverso cui si perpetua il vigore del singolo, della comunità di appartenenza e della specie. Al Ba, la forza che segna il carattere e la personalità, all’Akh, l’anello di congiunzione con il potere soprannaturale del cosmo. Fantasmi che i cibi lasciati nel sepolcro dovevano nutrire e che gli artisti del Fayum dovevano in qualche modo rappresentare nei loro ritratti.

Cercando la verità di un realismo che invece nell’arte plastica di Roma – con cui la mostra moltiplica i raffronti, pescando nel ricco serbatoio dei musei capitolini – segue l’intento più pragmatico di ridestare nella verosimiglianza delle icone la fiducia e il valore dei personaggi effigiati.

È questa sostanziale diversità che rende unica la ritrattistica di El Fayum, una colonia greca fondata quattrocento anni prima della morte di Cleopatra, dove il seme trapiantato dall’arte greca è concimato da una convivenza protratta per generazioni con le comunità, i riti le divinità locali e con un orgoglio di appartenenza, solo in parte esteso a quello di partecipare alle glorie di uno stesso impero.

Non è un caso che il ciclo di questa magnifica produzione si protragga per appena tre secoli per arrestarsi nel clima di guerre civili che mette in crisi il prestigio dei Cesari, sposta verso Oriente il baricentro del potere e con l’avvento di Costantino battezza come religione di stato il cristianesimo mettendo al bando il pantheon pagano.

Una condanna all’oblio che si protrarrà per un mezzo millennio sotto il regno di Napoleone, impedendo alle preziose conquiste pittoriche marchiate El Fayum di esercitare influenza sulla resurrezione del realismo figurativo che battezza il Rinascimento, fondato sulla statuaria del mondo classico e dei rari affreschi che riaffiorano a Pompei e da relitti nel sottosuolo di Roma. Per poi imporsi, tornare in circolo e dialogare come modello solo con la febbre d’avanguardia del Novecento. E l’ammirazione di maestri della modernità, come Matisse e Picasso, di cui un pannello accluso alla mostra registra commenti entusiasti.

Già, che straordinaria pittura. Non resta che lasciarla parlare. Accantonando per un momento la vista dei gioielli di marmo che li affiancano, perché la scultura ci dirotta verso altre emozioni più levigate e meno dirette. Non ci guarda negli occhi come fanno i personaggi di El Fayum, soprattutto nei lavori più riusciti e meglio conservati. Come quelle tavole ad encausto, dove la cera mescolata ai pigmenti e poi riscaldata, sprigiona una lucentezza di chiaroscuri che abbaglia. A noi gli occhi ci impongono come in una seduta di ipnosi quelle pupille, dilatate lievemente oltremisura. Rivolte come un imperativo di presenza, una voce dell’anima a noi che le stiamo osservando. Un trucco, un gioco di prestigio che conferma quanto sia labile il confine tra il realismo e l’astrazione.

Perché – fate attenzione – siamo davvero sicuri che quelle figure ci stiano davvero guardando? Che non ci scavalchino fissando come una formula magica, un ponte di attesa, un transito tutto loro che collega la vita e la morte?

Tre esempi di lavori ad encausto per dare più concretezza a queste impressioni. Il primo è un tondo in legno, scelto come manifesto dai curatori dell’Ara Pacis, che riunisce due immagini che erano state disgiunte per essere inserite tra le bende delle mummie. I segni sui bordi dei tagli sono marcati e accentuano il messaggio di sospensione tra vita e morte di quei due volti giovanili. Forse fratelli. Forse amanti. Entrambi hanno i capelli arricciati. Uno, accenni di peluria da quasi adolescente, ha la pelle più chiara e le labbra arricciate in una smorfia sensuale di inquietudine e sfida. L’altro, più scuro, geni chiaramente africani, esibisce un accenno di baffi e un’espressione più corrucciata. Più che probabile che i ritratti, come molti dei volti del Fayum, siano stati eseguiti dal vivo, e fossero esposti nella loro abitazione. Ma non escluderei qualche ritocco lì nel sepolcro prima di fissare le bende. A stupire è la qualità delle pittura. Luci e ombre imbrigliate da un reticolo di rapidi segni, increspature e graffiature che sembrano profetizzare le invenzioni dell’impressionismo. Un senso vitale di imperfezione che i marmi romani non sembrano contemplare.

Il secondo è un altro capolavoro da copertina, declinato al femminile. Un’iscrizione gli attribuisce anche un nome, Eirene, e una famiglia, una madre egiziana e un padre romano che invoca raccomandazioni per l’aldilà in una dedica a Osiride. Eirene è una giovane di rango e grande avvenenza. Sui capelli arricciati sulla fronte, come d’uso in quel primo secolo d.c. spicca una corona di foglie dorate. Sull’orecchio destro spicca in rilievo il bagliore di un orecchino a pendente. L’altro orecchino gemello si è invece staccato e brilla più giù all’altezza delle labbra. Un’imperfezione che per fortuna i restauratori non hanno corretto. Un effetto di luce che fa da controcanto alla ragnatela di pennellate e graffi bianchi che irrora la guancia sinistra come la vertigine di una ventata di vita. Il dolore della scomparsa trasformato in una malinconica attesa.

Finezze d’alta bottega che andranno via via attenuandosi nei ritratti del terzo secolo d.c, che segnano la scomparsa del ciclo e il declino inarrestabile della civiltà egizia, inghiottita dalla sabbia del deserto, dalla polvere del tempo e dell’oblio. Imbalsamati in un letargo da cui li ha ridestati il risveglio forzato degli scavi archeologici. Tesori rinati ed esibiti in abiti da museo e da turismo di massa che destano ancora ammirazione e stupore, ma rischiano di essere depredati dall’incomprensione di una modernità sempre più spaventata e frettolosa, che insegue altri dei e altri miraggi.